24 de junio de 2015

JOHN CASSAVETES: EL ORIGEN DEL CINE INDEPENDIENTE AMERICANO




John Cassavetes nació en Nueva York, el 9 de diciembre de 1929 y falleció en Los Ángeles el 3 de febrero de 1989.
De padres inmigrantes griegos; su padre, Nicholas, llegó en 1908 y se casó en 1926, con una griega quince años más joven. Eran muy humildes, pero el padre se dedicó a ayudar a los inmigrantes de su país. John creció en Long Island, y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar a la Academia de Artes Dramáticas (American Academy of Dramatic Arts), que eligió antes de hacer cualquier otro trabajo. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión.

En 1954, Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands, nacida en 1930, con la que trabajaría toda su vida, a poco de conocerla. Como señala su gran biógrafo, R. Carney, eran dos personas de carácter y de orígenes sociales muy diferentes (ella procedía de familia adinerada); ambos eran conflictivos y de valía; parte de sus vidas se reflejará en los filmes de John. Hacia 1956, comenzó a enseñar el "método" en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959). Cassavetes obtuvo los fondos de su familia y de sus amigos, así como del programa de radio Night People.
Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora norteamericana lanzase Shadows, así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a los Estados Unidos como si se tratara de una importación.



A pesar de que su distribución en los Estados Unidos no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los estudios de Hollywood. Cassavetes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años '60: Too Late Blues y A Child is Waiting (1963)
Su siguiente película como director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces (1968), protagonizada por su mujer y por John Marley, Seymour Cassel y Val Avery. La película muestra la desintegración de un matrimonio moderno, y fue candidata a tres Premios Oscar en las categorías de mejor guion original, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto.



Maridos (1970) está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara. Interpretan a un trío de hombres casados y con hijos viajando por Nueva York y Londres tras el funeral de uno de sus mejores amigos, que les obliga a replantearse su vida y dejar todo atrás para recobrar una ansiada -y falsa- libertad.
Minnie and Moskowitz, película que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.


En los años '70, realiza las que serían consideradas sus tres mejores películas: Una mujer bajo la influencia (1974), por la que Cassavetes fue candidato al Oscar a la mejor dirección y su mujer fue candidata al Oscar a la mejor actriz; en ella una familia feliz empieza a sentir el desarrollo de una enfermedad mental en la madre. Y aun así, la vida sigue: la ternura y el amor, según Cassavetes. The Killing of a Chinese Bookie (1976) y Noche de estreno (1977). Todas estas tres películas fueron producidas independientemente.
En The Killing of a Chinese Bookie Ben Gazzara interpreta a Cosmo Vitelli, un propietario de un pequeño club de strip-tease que es presionado por unos gangsters a cometer un asesinato para poder pagar sus deudas.
En el drama Noche de estreno, Rowlands interpreta a una estrella cinematográfica, venida a menos con los años, que trabaja en el teatro y sufre una crisis personal. Según Laurence Gavron, Cassavettes trabajó en el guion durante años, refinándolo y alterándolo. La producción costó más de 1,5 millones de dólares, y se necesitó más de un año para terminarla. La primera versión duraba 5 horas, y finalmente tan sólo una copia de la versión final fue distribuida en los Estados Unidos.



Cassavetes también desarrolló su carrera como actor, participando en películas como Doce del patíbulo (1967), por la que fue candidato al Premio de la Academia al mejor actor de reparto, y La semilla del diablo (también intitulada, en otros países hispanohablantes, como El bebé de Rosemary) (1968), de Roman Polanski. Otras películas destacadas en su carrera interpretativa fueron The Killers (1964), de Don Siegel, y The Fury (1978). En la siguiente década hizo tres películas destacadas: Gloria (1980), Love Streams (1984) y, la que sería su última película, Big Trouble (1986).
Suele malinterpretarse el papel de la improvisación en las películas de Cassavetes. Sus filmes –con excepción de la primera versión de Shadows – tenían un sólido guion. Sin embargo Cassavetes permitía a sus actores llevar sus propias interpretaciones de los personajes a la escena. La escena en general estaba escrita, pero la actuación obviamente no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección, si el actor así se lo sugería.


Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989, a los 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.
Su hijo Nick Cassavetes continuó sus pasos como actor (Face/Off) y (The Astronaut's Wife) y como director (John Q) y (The Notebook) donde dirige a su madre, Gena Rowlands.




24 de marzo de 2015

JAUJA - TODOS TENEMOS UN PLAN (VIGGO MORTENSEN)




Viggo Peter Mortensen (Nueva York, 20 de octubre de 1958) es un actor de cine estadounidense, de ascendencia danesa y residente durante su infancia en Venezuela y Argentina, razón por la que habla español. También ejerce como poeta, músico, fotógrafo y pintor. Sus papeles más conocidos como actor son los del dúnadan Aragorn en la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos de Peter Jackson, Tom Stall en A History of Violence de David Cronenberg, «The Man» en The Road de John Hillcoat, el Capitán en Alatriste de Agustín Díaz Yanes, y en particular el de Nikolai Luzhin en Promesas del Este, trabajo por el que fue nominado al Óscar.

Se le puede calificar como un artista polifacético, ya que, además de trabajar como actor, también se dedica al mundo de la poesía, la fotografía, la música y la pintura. Es dueño de la editorial Perceval Press, en la cual ha publicado sus libros de poesía y fotografía. Una de sus historias más populares es Coincidence of Memory. En el terreno musical se dedica al jazz y ha incluido en algunos de sus discos fragmentos en los que él mismo lee su poesía. También figuró en la banda sonora original de El Señor de los Anillos: el retorno del Rey, en donde compuso la música de «Aragorn's Coronation» y cantó los versos escritos por Tolkien. En lo que respecta al mundo de la pintura, se dedica al arte abstracto, incluyendo en algunas ocasiones fragmentos de sus poemas. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de arte alrededor de todo el mundo. Incluso, en la película Un crimen perfecto aparecen algunos de sus cuadros en el estudio de David Shaw, el artista al que da vida.


TODOS TENEMOS UN PLAN 2012 (ver online)

Por un lado, se trata de la ópera prima como guionista y directora de la joven Ana Piterbarg. Por el otro, es una ambiciosa producción de parte del equipo que ganó el premio Oscar con El secreto de sus ojos y el debut en el cine argentino de una estrella mundial como Viggo Mortensen, quien alcanzó tanto la popularidad como el prestigio.
Esa tensión entre una primera película que tiene bastante de climática e introspectiva y las exigencias de una producción a gran escala con proyección internacional es lo primero que se percibe en Todos tenemos un plan ,una película más que atendible, con no pocos hallazgos y atractivos.
El film tiene un despliegue de recursos (visuales, actorales, dramáticos) que lo convierte en una propuesta muy digna. Quizá no esté a la altura de la enorme expectativa que generó la incursión de Mortensen en el cine nacional, pero así y todo luce como una producción de indudable jerarquía.
Intérpretes: Viggo Mortensen, Soledad Villamil, Sofia Gala Castiglione, Daniel Fanego.
Guión y dirección: Ana Piterbarg.

Link para ver Online:   clic aquí


JAUJA 2014 (en Descarga Directa)

En el comienzo, a la manera del cine mudo, un cartel cuyo tono parece referir a algún cuento de Borges, habla de Jauja como una tierra mitológica, un paraíso terrenal, en el cual aquellos hombres que se atreven a buscarlo se pierden en el camino. De ese destino incierto no podrá escapar el Capitán Dinesen (Viggo Mortensen), un agrimensor danés de paso por esas tierras extrañas, que se asemejan mucho a la Patagonia en tiempos de la Conquista del Desierto. Será allí, en esa inmensidad sin brújula, donde los raídos militares hablan abiertamente de exterminar a los indios y se menta el carácter legendario de Zuluaga, un oficial “más rápido que el viento”, donde Dinesen perderá a su hija primero y también, inexorablemente, se extraviará a sí mismo después.
Los aportes de Fabián Casas en el guión y de Viggo Mortensen como su espléndido protagonista no hacen sino potenciar el universo creativo de Lisandro Alonso, que entrega su mejor film.
Intérpretes: Viggo Mortensen, Ghita Norby, Viilbjork Malling, Esteban Bigliardi, Diego Román, Adrián Fondari.
Dirección: Lisandro Alonso.

Link de Descarga:   click aquí

20 de febrero de 2015

MIS FAVORITOS AL OSCAR DEL DOMINGO




Como todo buen amante del biógrafo, cine, movie 7mo arte o como quieran llamarle, el domingo 22 de Febrero es una fecha marcada en rojo en el calendario.
Es el día de los siempre controvertidos premios de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, los Academy Awards, los Oscars.
Más allá del despilfarro de su puesta en escena, de la lujosa Red Carpet, la adoración al inmortal Star System de Hollywood y las injusticias que toda premiación acarrea, con sus intereses políticos y económicos... es la celebración cumbre de esta expresión humana que ha superado los cambios históricos, sociales y tecnológicos para continuar posisionándose como un entretenimiento, a veces pasatista, a veces intelectual, que alimenta y reproduce los anhelos, fantasías, sueños, ideologías y la historia de los seres humanos con un poder supremo e incomparable.
Porque no hay expresión humana que llegue tan profundamente y de manera tan democrática como lo hace la Gran Pantalla. El Cine está más vivo que nunca y su presencia en el mundo es absoluta.
Los Premios Oscar siempre despertarán suspicacias, pero es justamente eso lo que lo convierte en un acontecimiento tan humano: sus contradicciones reflejan nuestro mundo.
Y como no podía ser de otra manera, al igual que millones en el resto del Globo, voy a dar mis pálpitos, aunque ese no sería el término más correcto. Pues no me interesa anticiparme a cómo van a votar los miembros del jurado; para ello debería atenerme a posibles intereses y datos extra-cinematográficos. En este caso quiero hacerles llegar los rubros más importantes y mi votacion particular. Tómese como un juego que  divertirse no es pecado. Están invitados a participar.

MEJOR DIRECTOR





Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance (Alejandro G. Iñárritu)
Boyhood (Richard Linklater)
Foxcatcher (Bennett Miller)
The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson)
The Imitation Game (Morten Tyldum)










MEJOR ACTOR

Steve Carell (Foxcatcher)
Bradley Cooper (American Sniper)
Benedict Cumberbatch (The Imitation Game)
Michael Keaton (Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance)
Eddie Redmayne (The Theory of Everything)







MEJOR ACTOR DE REPARTO

Robert Duvall (The Judge)
Ethan Hawke (Boyhood)
Edward Norton (Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance)
Mark Ruffalo (Foxcatcher)
J.K. Simmons (Whiplash)






MEJOR ACTRIZ

Marion Cotillard (Two Days, One Night)
Felicity Jones (The Theory of Everything)
Julianne Moore (Still Alice)
Rosamund Pike (Gone Girl)
Reese Witherspoon (Wild)






MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Patricia Arquette (Boyhood)
Laura Dern (Wild)
Keira Knightley (The Imitation Game)
Emma Stone (Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance)
Meryl Streep (Into the Woods)





GUION ORIGINAL

Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Boyhood
Foxcatcher
The Grand Budapest Hotel
Nightcrawler






GUION ADAPTADO

American Sniper
The Imitation Game
Inherent Vice
The Theory of Everything
Whiplash






MEJOR FOTOGRAFIA

Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
The Grand Budapest Hotel
Ida
Mr. Turner
Unbroken






MEJOR DOCUMENTAL

CitizenFour
Finding Vivian Maier
Last Days in Vietnam
The Salt of the Earth
Virunga






MEJOR FILM EXTRANJERO

Ida (Poland)
Leviathan (Russia)
Tangerines (Estonia)
Timbuktu (Mauritania)
Relatos Salvajes (Argentina)







MEJOR PELICULA

American Sniper
Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Boyhood
The Grand Budapest Hotel
The Imitation Game
Selma
The Theory of Everything
Whiplash



El Domingo 22 de Febrero la ceremonia de entrega de los Oscars será transmitida por TNT para America Latina. 
Que Viva el Cine!!


12 de enero de 2015

GLOBOS DE ORO 2015: LOS GANADORES Y LOS AUSENTES




Los Golden Globes Awards premian al cine y a la televisión.
Por este motivo son apenas 14 las categorías dedicadas al séptimo arte y muchas de ellas están divididas en dos géneros: Drama y Comedia o Musical.
Elegimos para la portada el galardón entregado al gran actor y director George Clooney por su contribución al cine. Este premio de honor se llama Cecil B. DeMille.

LOS INDISCUTIDOS

BOYHOOD (MOMENTOS DE UNA VIDA para Latinoamérica) fue la gran ganadora de la noche con tres Globos de Oro:
Mejor Pelicula Drama, Mejor Director (Richard Linklater) y Mejor Actriz de Reparto (Patricia Arquette).
Absolutamente merecidos y sin discusión para un film que muestra la constante preocupación de su realizador para innovar tal como lo hiciera en el pasado con la trilogía Antes del Amanecer/Atardecer/Anochecer.




BIRDMAN (con el sugerente subtítulo de La Inesperada Virtud de la Ignorancia) se llevó dos galardones muy importantes: Mejor Actor Comedia/Musical (Michael Keaton) y Mejor Guión.
Lamentablemente en el rubro de Dirección los Golden Globes no hacen distinción de género, porque en tal caso bien hubiese merecido su premio Alejandro Gonzalez Iñárritu (Amores Perros, 21 Gramos) pero tuvo que conformarse con el recibido como co-guionista junto a los argentinos Giacobone y Armando Bó (nieto).




LA TEORÍA DEL TODO también se llevó dos Globos: por Banda Sonora (excelente del compositor Johanes Johansson) y principalmente por la gran labor actoral de Eddie Redmayne interpretando magistralmente al físico Stephen Hawking.




GRAND HOTEL BUDAPEST fue consagrada la Mejor Película Comedia/Musical.
Si bien en un principio todos los flashes apuntaban a Birdman para alzarse con el trofeo, lo cierto es que se trata de un film sumamente ingenioso con la firma del particular Wes Anderson (El Reino de la Luna, Los Excéntricos Tenenbaum). Me atrevo a decir que había cierta deuda con este director y ello inclinó la balanza a su favor.



AMY ADAMS (OJOS GRANDES) se quedó con justicia con el premio a Mejor Actríz Comedia/Musical.
Muy creíble interpretación de la afamada pintora Margareth Keane según el toque distintivo de su director Tim Burton. Vale decir también que las nominadas dentro de este género formaban parte de películas que no tuvieron mucha resonancia entre la crítica ni el favor del público, por lo cual, aunque merecido, fue un resultado cantado.


LOS DISCUTIDOS

J.K.SIMMONS (WHIPLASH) ganó el Globo de Oro como Mejor Actor de Reparto. Este rubro no diferencia los géneros y es aquí donde creo que no se hizo debida justicia. Whiplash integra el género Comedia/Musical y a pesar que el papel de Simmons es mas bien principal y no de reparto, estaría bien ganado. Pero ha dejado fuera a un actor que en el género Drama merecía sin dudas la distinción: Mark Ruffalo (Foxcatcher).



JULIANNE MOORE (SIEMPRE ALICE) consiguió el premio de Mejor Actriz Drama. Sin la menor duda se lo otorgaron más por trayectoria que por labor. Su trabajo en esta cinta es bueno y creíble, pero se trata de un film menor, harto repetido en su temática (Mal de Alzehimer) y que está muy lejos de las grandes preformances de esta actríz. Rosamund Pike hizo un trabajo increíble en Perdida (Gone Girl) donde prácticamente interpreta dos personajes o personalidades diferentes en una gran obra de cine suspenso.



NADA para The Imitation Game (Descifrando Enigma) quien seguramente recibirá varios Oscars el mes que viene, como pelicula, como guión y por el trabajo actoral.
Peor aún le fue a Interestelar que apenas fue nominado por su banda sonora (los Globos de Oro no dan premios técnicos) cuando se trata de una historia de ciencia ficción excelentemente adaptada a la pantalla, con una temática que supera la imaginación de la mayor parte de los candidateados y otro gran trabajo actoral de Matthew McConaughey y quienes lo secundan. Lo peor del caso es que veo difícil que la Academia le haga justicia el 22 de Febrero, pues el año pasado otorgó 5 Oscars a otro film del género, aunque infinitamente menor, la vulgar Gravity.


OTROS GALARDONES

El resto de los 14 Globos de Oro entregados fueron para la cinta de animacion COMO ENTRENAR A TU DRAGON 2, la canción original de Common y John Legend para SELMA, y la Mejor Pelicula Extranjera para la rusa LEVIATHAN.



21 de noviembre de 2014

MIKE NICHOLS: Cine de Relaciones Humanas




El presidente de ABC News, James Goldston, ha sido la voz que ha anunciado la muerte del oscarizado cineasta Mike Nichols a los 83 años por un paro cardiaco el pasado miércoles 19 de noviembre.
Michael Igor Peschkowsky –su nombre real– , de origen judío, nació en Berlín en 1931, pero su familia huyó a Nueva York en 1939. Hombre de teatro y ex actor, llegó a América sin casi hablar inglés. Se graduó de la Escuela de Walden (Nueva York), y empezó a sumergirse en el teatro mientras asistía a la Universidad de Chicago para estudiar medicina, eran los 50. Se unió a una compañía de esa misma ciudad y se asoció con el artista Elaine May. El dúo ganó popularidad nacional y se consolidó como dúo innovador de la comedia en Estados Unidos.
Aunque a nivel internacional se le conocía sobre todo por películas como El graduado, lo cierto es que fue un hombre polifacético, pues triunfó en la televisión, y como director teatral, e incluso ejerció como humorista profesional. La calidad de sus películas es desigual, pero rodó varios títulos memorables.



Su vocación artística provenía de su época de estudiante en la Universidad de Chicago, cuando fundó la compañía “The Compass Players”, con Elaine May, Alan Arkin y Barbara Harris. Con ellos se dedicó a las improvisaciones humorísticas. Una de las componentes del grupo, Elaine May, acabó formando con Nichols una pareja artística que triunfó en los clubs nocturnos, en la radio, y finalmente en un espectáculo de Broadway dirigido por Arthur Penn. El dúo finalmente se separó por tensiones internas, aunque al cabo de muchos años, ambos se reconciliaron y llegaron a trabajar juntos de nuevo, pues May fue guionista de un par de películas de Nichols.
En 1963, Mike Nichols fue elegido para dirigir el montaje teatral de Descalzos por el parque, de Neil Simon. La obra fue un gran éxito y Nichols descubrió que dirigir era lo suyo, y que se quería pasar el resto de su vida dedicándose a ello. En Broadway volvió a dirigir en numerosas ocasiones y recibió el Tony al mejor director siete veces. Debutó en el cine adaptando la obra teatral de Edward Albee ¿Quién teme a Virginia Woolf?, protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton. 

Dirigiendo a Liz Taylor y Richard Burton en Quien teme a Virginia Woolf?

Al año siguiente dirigió el mayor éxito del cine estadounidense de ese año, El graduado, con la que ganó el Oscar al mejor director –la cinta recibió otras seis infructuosas nominaciones–. También tuvieron una gran repercusión Trampa 22, adaptación de una novela antimilitarista de Joseph Heller, y Conocimiento carnal. Pero El día del delfín y Dos pillos y una herencia fracasaron por completo, por lo que decidió retirarse momentáneamente del cine y concentrarse en la televisión y el teatro.

Dustin Hoffman y Ann Bancroft en El Graduado (1967) 

Regresó al cine en los 80, con títulos como Silkwood, Se acabó el pastel y Desventuras de un recluta inocente. Sus dos películas con Harrison Ford, Armas de mujer y A propósito de Henry forman una especie de trilogía –al menos a nivel temático–junto con Lobo –protagonizada por Jack Nicholson– sobre la falta de escrúpulos en el ámbito empresarial. También diseccionó el mundo de la política en Colores primarios, con John Travolta. En el siglo XXI se dedicó a producir y dirigir la serie Ángeles en América, y las películas Closer y La guerra de Charlie Wilson –obviamente mucho menos interesantes que sus trabajos cinematográficos de décadas anteriores–.

Clive Owen, Natalie Portman, Julia Roberts y Jude Law en Closer (2004)


En cuanto a la vida personal de Nichols, cabe mencionar que se divorció tres veces, aunque estuvo con su cuarta pareja, la célebre periodista televisiva Diane Sawyer, desde 1988. Tenía tres hijos de sus parejas anteriores.


La miniserie televisiva Angels in America rompió record con 11 premios Emmy en 2004








13 de agosto de 2014

TRANSCENDENCE: El Gran Debut de Wally Pfister




Walter Pfister nació en Chicago el 8 de Julio de 1961 y se ha criado en Nueva York.
El abuelo de Pfister era el redactor jefe de un periódico de Wisconsin.
Su padre, también conocido como Wally, fue un productor de noticias de la televisión, que comenzó su carrera con CBS-TV en Chicago en 1955. Más tarde, como ejecutivo de ABC News, el mayor de los Pfister trabajó con David Brinkley y Peter Jennings, en las las convenciones políticas, vuelos espaciales y el movimiento de derechos civiles.

Durante el rodaje de INSOMNIA, junto al director Christopher Nolan y Al Pacino

Cuando Pfister tenía alrededor de 11 años, una productora filmó escenas para la película Shamus, pasión por el peligro (1973) con Burt Reynolds en su vecindario. El niño estaba fascinado por el equipo de creación de luces y cámaras. Poco después, comenzó a rodar películas caseras de 8 mm y cortometrajes. Emulando lo que hacía su padre filmó escenas en Kodachrome, para luego editarlas y armar pequeños shows para su familia y amigos.
Después de terminar su carrera, Pfister encontró trabajo como asistente de producción en el canal televisivo WMDT-TV, en Salisbury, Maryland. Tiempo después tomaba prestada una cámara CP-16 con la que empieza a grabar pequeños cortos los fines de semana, incluyendo un ensayo visual sobre una Casa Victoriana; dice Pfister de esto: «Lo hice suave. Pequeños movimientos de cámara sobre la arquitectura de la casa. Lo monté con música, se lo enseñé a la productora y me hicieron camarógrafo».

Ganador del Oscar por INCEPTION (El Origen) por Mejor Fotografia

Pfister es conocido por trabajar habitualmente con el director Christopher Nolan, entre las que se incluyen Memento, Insomnia, Batman Begins, The Prestige, The Dark Knight, Inception, y The Dark Knight Rises. Pfister también es conocido por su trabajo con el director F. Gary Gray en la película The Italian Job y con Bennett Miller en Moneyball.
Como director de fotografía es ganador de un premio OSCAR de la academia en 2011 por su trabajo en Inception (El Origen).
En 2014 debuta como director de cine con Transcendence.

TRANSCENDENCE (2014) - LA CRITICA

por Psicocine.com

Transcendence se nos presenta como un thriller tecnológico y futurista que promete ser uno de los blockbuster de la temporada, con acción y actores atrayentes es el cocktel perfecto para atraer al cine a un gran rango de espectadores que deseen ver cosas diferentes. Wally Pfister es el encargado de traernos este título de ciencia ficción; ganador de un Oscar a La Mejor Fotografía por Origen (Christopher Nolan, 2010) y encargado de la fotografía de la trilogía de Batman de Nolan, esta vez se atreve a ponerse tras los mandos de un proyecto propio.
Su experiencia como director de fotografía queda patente en cada plano, en muchos momentos recordándonos inevitablemente a esa atmósfera conseguida en Origen, pero es que Pfister tiene su propia marca y es inevitable no fijarse en ella. Transcendence es técnicamente impecable, cuidada en cada detalle y con unos planos que nos pondrán los pelos de punta en más de un momento. De hecho es el diseño de producción, la atención prestada a cada movimiento de cámara y la increíble y fluida fotografía lo que hace que la película no termine siendo monótona ya que toda la atención prestada en este sentido parece haber caído en saco roto en lo que se refiere al guión.



La magnífica puesta en escena contrasta indudablemente con el desarrollo de la historia, Transcendence es más continente que contenido, el guión flojea según va avanzando la película y termina aburriendo en su recta final; nos deja con una sensación de una historia a medio cocinar que huele a falta de atención por todos los lados. Otra cosa que nos chirria es que en principio parece un guión original y revolucionario, que nos puede plantear unos debates morales importantes pero que en el fondo no va más allá de ser una reinterpretación moderna de Frankenstein de Mary Shelley con un envoltorio de ciencia ficción futurista.
Transcendence resulta un experimento fallido, puede que incluso decepcionante debido a las grandes expectativas que algunos teníamos con el film, pero es lo que suele pasar cuando esperas algo con demasiada emoción. Es una película entretenida y llena de acción sin más, una historia desaprovechada que podría haber conseguido ser más “transcendental” de haber sido elaborada con más mimo.

ENLACE DE DESCARGA DIRECTA

http://cq7zfwu6xw.1fichier.com/




27 de julio de 2014

ALEJANDRO DORIA: Un Cine para Darse Cuenta




Doria nació en el barrio de Flores, en Buenos Aires, el 1 de Noviembre de 1936.
Comenzó a estudiar economía pero su veta artística se impuso y abandonó la carrera tras la actuación, la locución y más tarde la dirección y escritura. Para perfeccionarse en estos ámbitos viajó a Estados Unidos donde se formó.

Arturo Puig y Maria de los Angeles Medranoen Nuestra Galleguita (1969)

Entre 1956 y 1963 participó como actor en varias obras teatrales, entre ellas, Al tercer día, Muertos sin sepultura y La casa de la noche. En televisión comenzó su carrera en 1961, como coautor y copuestista, junto con su hermano Raúl Gaynal con dos programas: Las musimujeres y Las sombras en los cuales era director de cámaras Nicolás del Boca. Tuvo a su cargo la puesta en escena de varios programas dirigidos por Del Boca, entre ellos Fulanos de tal (1962), Los solteros del 10° C -de Alberto Migré- (1967) así como clásicos escritos por Nené Cascallar como Cuatro mujeres para Adán y Las noches de Adán y Eva. Como director empezó en el año 1969 con la serie televisiva Nuestra galleguita, de enorme éxito popular y que sería el primer paso a una vasta experiencia televisiva que le depararía 11 premios Martín Fierro, algo así como el Oscar de la pantalla chica.

Soledad Silveira y Arnaldo André, protagonistas de Pobre Diabla (1973)

En los años siguientes continuó con la dirección de numerosos ciclos como "Alta Comedia", "Pobre Diabla", con Soledad Silveira y Arnaldo André y "Papá Corazón" con una pequeñísima Andrea Del Boca, clásicos de la televisión argentina; "Identidad", "Escenario Universal", "Situación Límite", "Atreverse", "Amores", "Mi Mamá me Ama" y los prestigiosos ciclos de "Los Especiales de Alejandro Doria" fueron otros de los ciclos, sin embargo quizá Alta Comedia, (1971, donde dirigió varios episodios protagonizados por Hilda Bernard, Narciso Ibáñez Menta y Luisina Brando) y Atreverse (1990, escritos por diferentes autores) fueron dos de los ciclos televisivos que imprimieron el camino de una televisión de calidad que ningún otro director pudo superar. Esta última llegó a medir 30 puntos de rating e incluso adelantarse a un momento real cuando uno de los capítulos protagonizados por Miguel Angel Solá y Graciela Dufau interpretaban a un senador que maltrataba a su mujer; cuatro meses más tarde explotaba el escándalo de Carlos Menem y Zulema Yoma, cuando el entonces presidente echaba de la Quinta de Olivos a su esposa. Atreverse obtuvo seis premios Martín Fierro, entre los que se destacan “Mejor Unitario” y “Mejor Dirección Integral”. Su última participación televisiva como director fue en 1997, al poner en la pantalla de Telefe la remake de El Rafa, protagonizada por Arturo Puig, Paola Krum y Gastón Pauls.

China Zorrilla y Luis Brandoni en Darse Cuenta (1984), quiza el mejor film de Doria

Su debut en cine fue en 1974 con "Proceso a la infamia", que fue censurada por el entonces Gobierno peronista y sólo se pudo exhibir en 1978, en plena dictadura militar. Doria buscó metáforas para criticar a ese régimen y así fue cómo dirigió películas como La isla (1979), premiada en el festival de Montreal.
Con la vuelta de la Democracia estrena en 1984 el drama Darse cuenta sobre una idea de China Zorrilla y con Jacobo Langsner acompañándolo en el guión. Un médico protagonizado por Luis Brandoni y un joven comatoso, Dario Grandinetti, que planteaban el terrible drama de los hospitales de este país, sus problemas, sus obstáculos pero sobretodo el valor de la vida, el luchar por ella.
Sin embargo al año siguiente haría estallar las taquillas argentinas con una comedia tan costumbrista como grotesca, Esperando la carroza, con un elenco impecable (Antonio Gasalla, Betiana Blum, China Zorrila, etc), este ya hito de la cinematografía y lenguaje argentino marcaba un antes y después en el cine nacional y por sobretodo en el género de la comedia. Con este film, de esos que uno no se cansa de ver, y verse, se plasma innegablemente lo que él ya estipulaba sobre su cine: "Me interesa un cine al que le importe lo que pasa a nuestro alrededor, que tenga un sentido social, que busque un mundo mejor y que denuncie la hipocresía de la gente. La hipocresía es un tema que está en todas mis películas. También me interesa el humor, pero un humor con contenido, que haga reír y que al mismo tiempo haga pensar sobre lo que nos da risa".

Sin dudas, la comedia mas original del cine argentino. (1985)

Con “Cien veces no debo” volvió a incurrir en la comedia y la hipocresía como base; anteriormente dirigió films como Los Miedos (1980), Los pasajeros del jardín (1982) y Sofía (1987). Luego de casi una década y media de ausencia nos vuelve a regalar en el 2004 uno de los capítulos del largometraje 18-J, sobre el atentado terrorista contra la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA), en el que murieron 85 personas en 1994 y en 2006 Las Manos, sobre la vida del popular cura sanador, protagonizado por Jorge Marrale y Graciela Borges, film ganador del Goya a Mejor Película extranjera. Finalmente al momento de su muerte se encontraba realizando junto a Cristina Fasulino, Tuya, sobre el relato homónimo de Claudia Piñeiro y con la genial Erika Rivas como protagonista.

Una de sus ultimas imagenes en vida, junto a la gran actriz Graciela Borges

A los 72 años, el reconocido director y guionista falleció el 17 de junio de 2009 en Buenos Aires como consecuencia de una neumonía crónica que deterioró marcadamente su salud durante sus últimas semanas de vida.

TRES PELIS PARA VER EN YOUTUBE:


DARSE CUENTA
http://www.youtube.com/watch?v=6JDKcbMb2MQ&list=RD6JDKcbMb2MQ#t=414

ESPERANDO LA CARROZA
http://www.youtube.com/watch?v=J_X0qxVCzZk&list=RD6JDKcbMb2MQ&index=2

CIEN VECES NO DEBO
http://www.youtube.com/watch?v=kTWG8EEJ56U&list=RD6JDKcbMb2MQ&index=4



25 de abril de 2014

ROBERT ALTMAN: CIUDAD DE ANGELES




Robert Bernard Altman nació en Kansas City, Missouri, el 20 de febrero de 1925.

De ascendencia alemana, inglesa e irlandesa, su abuelo paterno, Frank Altman, Sr., cambió el apellido de la familia de "Altmann" a "Altman". Altman tuvo una estricta educación católica. Estudió en el colegio St. Peter's School. Luego en la secundaria Rockhurst High School y en Southwest High School en Kansas City, y fue enviado a la academia militar Wentworth Military Academy a las afueras de Lexington, Missouri, donde estuvo durante sus primeros años universitarios. En 1943, a la edad de 18 años, Altman entró a las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos (USAAF) donde fue copiloto de un bombardero B-24 durante la Segunda Guerra Mundial. Fue durante esta época en que Altman vio las primeras luces de Hollywood y se enamoró de ellas. Desde su retiro, en 1947, Altman se mudó a Los Ángeles y siguió una carrera como actor, escritor y director.

MASH (1970) Palma de Oro en Cannes

Tras varios fracasos como director de cine y dedicarse a la dirección de series televisivas, en series como Bonanza o Alfred Hitchcock presenta, conoce el éxito merced a la película M*A*S*H (1970), sátira de la guerra de Corea que logra la Palma de Oro en el Festival de Cannes. A partir de aquí desarrollará una carrera ascendente que, aunque con altibajos, le convierte en uno de los directores americanos más originales de la segunda mitad del siglo XX.
Su empleo del movimiento continuo de las cámaras y el cine coral son referentes y han creado escuela.

A finales de los 50 dirigía telefilmes y documentales publicitarios antes de alcanzar el éxito con M*A*S*H (1970). Tras éste, realizó una serie de películas que fueron bien acogidas por el público: Los vividores (1971), Images (1972), El largo adiós (1973), Thieves like us (1974), California Split (1974) y el musical Nashville (1975).

Altman y Paul Newman en Quinteto (1979)

Poco a poco sus películas se fueron haciendo más excéntricas e inaccesibles para el gran público: Buffalo Bill y los indios (1975), Un día de boda (1978) o Quinteto (1979). Tras Popeye (1980), decidió cerrar su centro de producción en Hollywood. En los 80, después de dirigir obras de teatro off Broadway comenzó a rodar producciones teatrales para la televisión por cable: Come back to the five and dime (1982), Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982), Laundromat (1983), Desechos (1983) y Secret Honor (1984).

En 1990 dirigió Vincent y Theo. En 1991 apareció El juego de Hollywood, sátira del mundo del cine estadounidense que le devolvería a un lugar destacado. Tras ésta apareció Vidas cruzadas (1993), una serie de historias costumbristas con las que siguió en la misma línea de éxito. Tres años después llega Kansas City (1996), donde se mezclan los mundos del juego, la mafia y el jazz en la ciudad de Kansas. Sus cintas posteriores confirman que perdió algo del genio que caracterizó producciones suyas anteriores como McCabe And Mrs. Miller y The Long Goodbye. Sin embargo, sigue dando muestras de originalidad como en Dr. T & The Women, donde Richard Gere encarna a un ginecólogo. Su  trabajo, Gosford Park, está ambientado en 1932 y representa una visión crítica desde el punto de vista estadounidense de la clase alta británica.

Cartel de la pelicula de 2001 con otra gran variedad de renombrados actores

Nominado cuatro veces para el Oscar al mejor director, por M*A*S*H, Nashville, El juego de Hollywood y Vidas cruzadas. Consiguió el premio Emmy de 1983 y 1988 por Laundromat y Tanner'88. En el Festival de Berlín de 2006, presentó su última película: A Prairie Home Companion, en la que contó con Woody Harrelson y Meryl Streep. Recibió el Oscar de Honor 2006, su única estatuilla.


Recibiendo el Oscar Honorifico 2006. A su lado Meryl Streep y Lili Tomlin


Altman falleció en la noche del 20 de noviembre de 2006 a los 81 años en un hospital de Los Ángeles.
La causa de su muerte se debió a complicaciones producto de un cáncer que padecía.

DESCARGA GRATIS: SHORT CUTS (1993)

Conocida tambien con los titulos de Vidas Cruzadas y Ciudad de Angeles, es una película inspirada en una serie de historias cortas y un poema del maestro del cuento estadounidense Raymond Carver.
Substituyendo las ambientaciones habituales de Carver por la ciudad de Los Ángeles, California, la película enlaza la acción de 22 personajes, en paralelo o con encuentros casuales.
Como es habitual en Altman, la pelicula cuenta con un gran elenco para realizar esta obra coral sobre la incomunicacion en el mundo contemporaneo.





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Subtitulos en Español
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Robert Altman dirigiendo una escena de Shot Cuts junto a Ann Archer